Prensa Press 2024

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La Caramba, «Une joyeuse curiosité»

Diapason | 1 de mayo de 2024

Après Vincente Baset (cf. n° 698), Forma Antiqva ressuscite Maria Antonia Vallejo Fernandez(1751-1787), surnommée La Caramba en raison de l'exclamation qui concluait ses prestations chantées et dansées.

Cette artiste charismatique, dictant la mode par ses tenues, exaspérant les puissants, collectionnant les liaisons amoureuses, fut surtout l'une des plus fameuses interprètes madrilènes de tonadillas. Ces courtes cantates scéniques, imprégnées d'idiomes issus plutôt de l'opera buffa que de la tradition ibérique, font se succéder une introduction instrumentale, des strophes contrastées puis une série de séguedilles toujours plus endiablées.

Révélé il ya plus de vingt ans par Gabriel Garrido (« El Maestro di baile », K617), Pablo Esteve (ca 1734-1794) est l'auteur des deux plus ambitieuses tonadillas de ce programme: le spirituel Los duendillos et le trépidant Los mormuradores. Dotée d'une voix souple au timbre pincé qui sera affaire de goût, Maria Hinojosa n'y manque pas d'esprit. Elle joint à une théâtralité débridée toujours appropriée,_u ne ornementation précise_e t une expression tranchée.

Menée par Aaron Zapico, Forma Antiqva (deux cors, deux hautbois, dix archets, un clavecin, une guitare baroque, un théorbe et une discrète percussion) se distingue par sa cohésion et sa vitalité rythmique. La phalange sort de son rôle d'accompagnateur pour proposer trois pages purement instrumentales: le bouillant Fandango de Bernardo Alvarez Acero (paraphrase du chef-d'oeuvre de Boccherini), la vigoureuse Ouverture de l'lfigenia en Tracia de Nebra et une brève Sinfonia de Castel dans le goût haydnien. Une joyeuse curiosité.

Denis Morrier

Forma Antiqva reluce en Salamanca con una joya del Barroco español

Bachtrack | 1 de mayo de 2024

El prestigioso ciclo Salamanca Barroca nos ha vuelto a regalar otra velada muy satisfactoria en el Auditorio Fonseca, con la presentación del conjunto Forma Antiqva. En el programa, una de las joyas del Barroco español: la ópera Los elementos, del compositor mallorquín Antonio Literes. Esta obra une magistralmente elementos italianos e hispanos, de manera variada y entretenida; lo que hace que su escucha sea muy disfrutable, especialmente en versiones como la aquí presentada.

A los abundantes números (recitativos, arias, conjuntos y coplas), Forma Antiqva y su director, Aarón Zapico, añadieron una introducción y diversos interludios que no suelen escucharse en otras versiones, pero que se insertaron muy bien en la obra. El director supo guiar al conjunto con movimientos enérgicos y mucha implicación, sin que esto supusiera una merma en su estupenda ejecución clavecinista. El bajo continuo fue muy efectivo, tanto en grupo, con el bajista Jorge Muñoz, seguro y bien integrado en el conjunto, como en las puntuales intervenciones a solo de la violonchelista Ruth Verona, o las de Pablo Zapico a la guitarra barroca. Los violinistas Jorge Jiménez y Daniel Pinteño mostraron variedad de articulación y capacidad camerística, con excelentes solos de Jiménez. Las ornamentaciones de todos los participantes fueron realizadas con sensatez y muy buen gusto, siempre integradas en el contexto.

Junto al grupo instrumental, cuatro magníficas cantantes: tres sopranos y una mezzosoprano, que se repartieron los seis personajes, en una trama en la que los cuatro elementos (aire, tierra, agua, fuego) defienden sus cualidades, para luego reconocer la importancia del Sol. Otros personajes importantes son la Aurora y el Tiempo. En otras versiones, este último personaje se interpreta por una voz masculina, lo que aporte algo más de variedad; pero, en este caso, no se echó demasiado de menos, ya que las pronunciadas características de las voces escuchadas en esta velada produjeron una variedad muy disfrutable. Jone Martínez afrontó sus personajes, Aire y Aurora, con una voz maravillosa y pura, a los que aportó dramatismo cuando se requería. Convenció plenamente desde el principio y deslumbró en momentos como con la tonada “Dormida fatiga”, genialmente cantada y actuada. La estupenda mezzosoprano Serena Pérez, con una voz amplia y bien proyectada, produjo otro tipo de sensaciones en sus papeles de Tierra y Tiempo. Utilizó sus características vocales de manera adecuada a sus roles y desplegó gran variedad de expresión, gracia y capacidad comunicativa. Pilar Alva fue un Fuego lleno de garra y garbo. Convenció en todas sus intervenciones, especialmente en las arias “Fuego encendido” o “Sedienta de influjos al Sol ha bebido”, espléndidamente interpretadas. Soraya Méncid consiguió un Agua lleno de gestualidad, variedad vocal y demostraciones de virtuosismo, como el de su impresionante “Suenen los clarines”. Todas las cantantes funcionaron muy bien en los diversos dúos y conjuntos, aportando sus diferentes características vocales y temperamentos.

Música de gran calidad en interpretaciones estupendas dieron como resultado una velada magnífica, que confirma el altísimo nivel de Salamanca Barroca.

Francisco Martínez Ramos

Una raresa barroca

Núvol | 30 de abril de 2024

Un dels concerts més esperats del Festival Llums d’Antiga de l’Auditori possiblement era el de Forma Antiqva, que ens van oferir una raresa magnífica com l’òpera Los Elementos, del mallorquí Antoni Lliteres. Al costat de quatre joves cantants de gran nivell, el proppassat 28 d’abril a l’església de Sant Felip Neri vam poder gaudir d’aquesta joia del segle XVIII hispànic, que bascula entre l’òpera i la cantata escènica.

En aquesta ocasió vam veure l’orquestra Forma Antiqva reduïda a una expressió de dimensions cambrístiques: dos violins, violoncel, contrabaix, guitarra i clavecí, des del qual Aarón Zapico va dirigir. Los Elementos és més aviat una cantata escènica de temàtica profana centrada, com bé indica el títol, en els elements de la natura, encarnats per les quatre cantants que vam sentir: les sopranos Jone Martínez com a Aire, Pilar Alva Martín com a Foc i Soraya Méncid com a Aigua, i la mezzosoprano Serena Pérez com a Terra. Hi ha encara dos personatges més, l’Aurora i el Temps, en què van doblar Jone Martínez i Serena Pérez, respectivament.
Forma Antiqva va demostrar novament que és una formació que sap exactament com abordar el repertori barroc, amb rigor i frescor alhora.
Los Elementos és una cantata molt simpàtica en què Forma Antiqva va demostrar novament que és una formació que sap exactament com abordar el repertori barroc, amb rigor i frescor alhora. Amb ritmes àgils i una expressivitat molt viva, les seves interpretacions sempre respiren un aire contemporani, de manera que la música ens interpel·la com si no hi hagués un salt de més de tres-cents anys entremig. En aquesta ocasió va ser una òpera de cambra de 1705, en estil italià però amb elements de la tradició espanyola i text en castellà.
Pilar Alva Martín va encarnar un Foc murri i divertit, amb una expressivitat molt accentuada
Les quatre joves cantants, vestides d’acord amb el color de l’element que encarnaven, van fer una interpretació plena de teatralitat, molt ben integrades amb el conjunt instrumental. Jone Martínez va mostrar una veu rodona i clara, amb una emissió molt neta que li va donar una brillantor natural, sense cap artifici. En l’arieta “En los brazos del Alba”, acompanyada del coixí de seda del continu, va crear una filigrana vocal de gran bellesa. Cal destacar també una dicció molt nítida, element que cal fer extensiu a les quatre cantants. Pilar Alva Martín va encarnar un Foc murri i divertit, amb una expressivitat molt accentuada, gràcies a un frasseig diàfan. Va mostrar una veu molt ben projectada i una línia vocal d’una gran elegància i delicadesa. Serena Pérez va tenir el gran moment de protagonisme a la segona part, com a Temps, en què va mostrar una molt bona línia vocal i un registre central i greu suficient, tot i que va faltar un punt de picardia expressiva. Soraya Méncid va cantar amb una gran elegància d’estil, tot i que la veu va sonar una mica estreta.

Ateses les reduïdes dimensions del conjunt instrumental i vocal, en aquesta ocasió l’acústica de Sant Felip Neri no va resultar un escull per a l’audició de la música. Els integrants de Forma Antiqva van fer una interpretació d’esperit cambrístic que va salvar aquest contratemps, de manera que les veus es van escoltar amb nitidesa, així com també les dinàmiques de l’acompanyament instrumental.

Acostar-nos una obra desconeguda d’un compositor tan poc prodigat és una iniciativa que cal celebrar, i també una ocasió única per desenterrar un patrimoni molt valuós en la magnífica versió que ens va brindar Forma Antiqva.

Elsa Álvarez Forges

‘La Silvia’, ópera del clavecinista Scarlatti antes de ser don Domingo Escarlata

Scherzo | 25 de abril de 2024

Hay conciertos de los que se sale jubiloso, con rostro optimista y con ganas de cantar y bailar. Y el de anoche en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional fue uno de ellos. Lo que no quiere decir que todo en él fuera perfecto. Pero dominó la satisfacción por el descubrimiento de una hermosa música, la energía contagiosa de una dirección extrovertida y el impacto electrizante de un inesperado fandango cuando el público estaba ya sobrada y justamente entregado. Pero vayamos al principio.

Se había anunciado la presentación -estreno en tiempos modernos en doble concierto, en León y Madrid- de un puñado de arias de una ópera romana perdida de Domenico Scarlatti de 1710. Vamos de recuperaciones. Unos días antes, también en el Auditorio (sala sinfónica) y en el ciclo Universo Barroco, asistimos a la primera interpretación íntegra y moderna de Las Amazonas de España, de Giacomo (Jayme) Facco. En ella, por cierto, participaron dos de los intérpretes de anoche, uno como principal artífice (Pinteño) y el otro (P. Zapico) como integrante del bajo continuo.

El joven compositor napolitano, mucho antes de su definitivo viaje a Portugal y España, trataba de abrirse hueco en el mundo musical romano, a la sombra del padre, en la capilla de la reina viuda María Casimira de Polonia. Ya destacaba en el clave -de poco antes es la conocida y no se sabe si real anécdota relatada por Mainwaring de la doble competición al clave y al órgano con Haendel, saldada repartiendo salomónicamente los honores-. Pero debía tocar otros palos, a tenor de las necesidades y encargos de su empleadora y pagadora. Y entre estos figuraba en lugar destacado la composición de óperas. Siete y algunos intermedios produjo en estos años. Entre ellas, La Silvia, drama pastoral con libreto de Carlo Segismondo Capece. Se daba por perdida, como casi todas. Hasta que la intuición, laboriosidad y el buen hacer de la musicóloga valenciana Nieves Pascual dieron frutos, al identificar una decena de arias en un manuscrito asignado tradicional y globalmente al padre, Alessandro. Anoche, legítimamente orgullosa, presentó personalmente su hallazgo. Previamente, Aarón Zapico habló sobre el significado de la traducción sonora moderna de la música antigua y de una acertadísima decisión interpretativa. Dado que es imposible establecer hilación argumental entre las diez arias, se presentarían seguidas y en un totum continuum, hilvanadas por fragmentos instrumentales pertenecientes a sinfonías y oberturas, igualmente inéditas, del propio Domenico Scarlatti y de otros compositores contemporáneos. Por cierto, la información sobre ellos brilló por su ausencia en el programa, salvo la asignación a Pietro Ugolino de la sinfonía que abría el concierto.

Y todo, a partir de ese momento, fluyó con naturalidad, frescura y buen ritmo durante la hora larga del concierto. La música de Domenico Scarlatti, sin ser excepcional, es hermosa -faltó, probablemente, esa aria lenta y profunda que hace soñar, pero no hay más cera que la que arde- y la selección de los invariablemente bellos y variados fragmentos instrumentales -un solo movimiento en algunos casos, breve obra completa en otros- se reveló muy oportuna para amalgamar las arias sin distraer la atención. Contando, naturalmente, con los once excelentes músicos que poblaban el escenario. Y, sobre todo, con una dirección eficaz, dinámica y tremendamente comunicativa de Aarón Zapico, pendiente de todos los detalles y construyendo un sólido edificio musical.

En la parte vocal, el veterano contratenor Carlos Mena, que ya anda preparando su salto definitivo a la dirección -no hace mucho pudimos verlo en Madrid con un espléndido oratorio de Telemann- mostró en sus dos únicas arias su potencia vocal, capacidad expresiva y dominio de las agilidades -exigentes, sobre todo, en “Non potrà no più ingannarmi”, acompañada por el violín y el oboe, que luego bisó-. Su discípula Jone Martínez es ya una jugosa realidad en el panorama vocal español y europeo. Posee una bella voz amplia y redonda y matizó adecuadamente las tres arias a solo que cantó. ¿Alguna que destacar? Me quedaría con la última, “Uccidimi o pedonami”, brillantemente acompañada también por el violín y el oboe. O con la anterior, de bravura, “Quel rusceletto”, magníficamente sostenida por el tutti orquestal. Y, cómo no, con ese soberbio y enérgico dúo “Già parmi che all’alma” que compartió con el joven tenor aragonés Alberto Palacios, quizá necesitado todavía de algo más de rodaje -se vio con más claridad, precisamente, en ese dúo-, pero que, en general, salió airoso de sus cuatro comprometidas intervenciones.

En la parte instrumental prácticamente todos los músicos deberían ser destacados, desde los violinistas Jorge Jiménez y Daniel Pinteño, que corrieron con la parte del león en el cimiento de las arias -pasamos por alto algún levísimo y muy ocasional desajuste entre ellos- al oboísta Pedro Lopes, que exhibió constantemente su carnoso y sensual timbre, y la discreta y eficaz Isabel Juárez en la viola. Y el bajo continuo. Uno, qué le vamos a hacer, es decididamente partidario de la violonchelista Ruth Verona. Me enamoró en su primera intervención lenta, poética, al iniciarse la velada. Y siguió brillando toda la noche, junto con Pablo Zapico, muy presente con su instrumento, y el clave de su hermano y apasionado director, Aarón. Jorge Muñoz punteó eficientemente con su contrabajo. Y juntos lograron captar y arrastrar en un crescendo comunicativo a un público que, cuando se afandangó en los bises, estaba plenamente rendido y gozosamente escarlatado. Una velada, sin duda, para el recuerdo.

Manuel M. Martín Galán

Caos y equilibrio, Forma Antiqva en el Palau de les Arts

Beckmesser | 19 de abril de 2024

Los elementos, de Antonio Literes. “Ópera armónica al estilo italiano” en un acto. Libreto de autor desconocido. Solistas: Jone Martínez (Aire y Aurora), Serena Pérez (Tierra y Tiempo), Pilar Alva (Fuego), Soraya Méncid (Agua). Forma Antiqva. Aarón Zapico (clave y dirección). Lugar: Palau de les Arts (Teatre Martín i Soler). Entrada: Alrededor de 200 personas. Fecha: miércoles, 17 de abril de 2024.

Uno de los cánceres mayores de la música española es el olvido de su propio patrimonio, la dejadez de su memoria. De hecho, casi todo el repertorio permanece inédito, en el cajón del olvido. Por ello, la recuperación de cualquier título es siempre merecedora de aplauso y difusión. En este sentido, hay que enmarcar la programación, en el ciclo “Les Arts és Barroc”, que promueve el Palau de Les Arts de la mano del Centro Nacional de Difusión Musical y de su director, Francisco Lorenzo -tan vinculado a València-, de la ópera Los Elementos, del mallorquín Antonio Literes (1673-1747), que el miércoles se ha presentado en el Teatre Martín i Soler en una versión de concierto liderada desde el clave por Aarón Zapico (Langreo, 1978), al frente de su conjunto Forma Antiqva y un calibrado cuarteto de voces solistas, todas ellas féminas.

Los elementos, que se inscribe en la corriente naturalista y alegórica tan en boga en su tiempo –se estrenó en Madrid, en torno a 1705-, se adapta al formato de ópera de cámara propio del barroco español. El libreto, apócrifo, narra la armonización final del caos causado por la lucha de los cuatro elementos: tierra, aire, agua y fuego. No es una obra maestra, pero sí página de interés, con momentos tan atractivos como el gran solo de guitarra, sobresalientemente interpretado por Pablo Zapico. El tratamiento vocal, con cuatro voces cada una de las cuáles encarna un elemento, es singular y exigente, con registros que extreman tesituras y requieren flexibilidad y dominio técnico. Lo lucieron con notabilidad y conjuntada suficiencia las cuatro protagonistas vocales: tres sopranos (la vizcaína Jone Martínez, la granadina Pilar Alva y la onubense Soraya Méncid), y la mezzosoprano gijonesa Serena Pérez.

Aarón Zapico, uno de los grandes nombres en el ámbito de la música antigua española, y también uno de sus grandes “rescatadores”concertó con soltura, ligereza y sentido estilístico los tres episodios de la ópera –NocheComienzo del AmanecerLlegada del Sol-. Otorgó unidad y redondez al equilibrio entre voces y los contados pero efectivos medios instrumentales: dos violines, violonchelo, contrabajo, guitarra barroca y el propio clave. Apenas 75 minutos que pasan como un santiamén, a pesar de un libreto apócrifo e insustancial y la falta de escena de una obra que es más “cantata escénica” que ópera. Así de atractiva es la luminosa creación de quien es uno de los eslabones claves de la gran música española.

Justo Romero
Publicado en el diario LEVANTE, el 19 de abril

La clave Antiqva

La Nueva España | 27 de febrero de 2024

Brillante recital del clavecinista Diego Ares y «Forma Antiqva» en las Jornadas de Piano «Luis G. Iberni»

Intérpretes: Diego Ares (clave) y «Forma Antiqva»
Director: Aarón Zapico
Programa: Obras de C. W. Gluck, W. F. Bach y J. Haydn
Auditorio Príncipe Felipe, domingo, 19.00 horas

Si bien las Jornadas de Piano se han convertido en uno de los referentes nacionales del repertorio pianístico, el pasado domingo sorprendió la inclusión de un programa protagonizado por «Forma Antiqva» (debutantes en el ciclo) y el clavecinista vigués Diego Ares, quien se presentaba por vez primera ante los melómanos del Principado. Al interés que suscitaban sendos debuts y la flexibilidad de escorar la programación hacia el clave se sumaba un inspirado y sugerente programa que transitaba entre el Sturm und Drang y la luminosidad del estilo preclásico.

La «Sinfonía en fa mayor» de Gluck tiene pasajes trepidantes y una sonoridad especial gracias al timbre de las trompas naturales, siempre difíciles de manejar en la emisión. No obstante, subyace en ella un componente tenebrista que el mayor de los Zapico supo explotar mediante una articulación exacta y unas dinámicas perfectamente trazadas. Como ejemplo, la fuga del tercer movimiento: siempre equilibrada, con el tema audible en cada una de sus invocaciones a través de los diferentes instrumentos. Misma línea seguiría la «Sinfonía en fa mayor » de W. F. Bach, obra que rezuma dramatismo gracias a sus abruptos silencios y a su desprejuiciado empleo de la disonancia. El ensemble supo lucir, en el Andante, unos pasajes en pianísimo (ciertamente expresivos) merced a una cuerda sedosa y compacta.

Pero el plato fuerte de la primera mitad era el «Concierto para clave y orquesta en fa menor», del mismo compositor. Ares hizo acto de presencia para reflejar ese carácter violento y poderoso que requiere la obra, de clara influencia vivaldiana. El clavecinista se lució en esa escritura tan profusamente ornamentada del barroco –pródigo en teatralidad– solventando, con pasmosa facilidad, los diseños escalísticos a los que añadiría unas hermosas cadenzas inéditas, compuestas, ex profeso, por el propio intérprete. Su nitidez en la pulsación y su precisión favorecieron la concertación de Zapico desde el pódium. «Forma Antiqva» arropó con efectividad al solista, sin sobrepasarlo en volumen ni desajustarse lo más mínimo.

La segunda mitad suponía el triunfo de la luz frente a las tinieblas, algo evidenciado mediante dos obras de Haydn: «Sinfonía n.º 30 en do mayor» y «Concierto para clave y orquesta en re mayor». En la primera ya quedó patente la solemnidad de la pieza gracias a las cálidas intervenciones del traverso, añadiendo mayor dulzura y atractivo tímbrico a la plantilla. Su solo en el tempo lento estuvo marcado por la belleza y el buen gusto. La segunda de las piezas volvía a sentar a Diego Ares frente al clave, ahora en un registro diferente donde son innegables las reminiscencias a los conciertos para violonchelo del compositor austríaco y se trata de una sonoridad no tan alejada de algunas sonatas para piano de Mozart. Sobrio, pero siempre con una musicalidad excepcional, evidenció un escolástico estilo a través de una pulsación de gran precisión. Ni siquiera el «Un poco Adagio», marcado por los contratempos, inquietó a los músicos: todos ellos son grandes intérpretes en sus respectivos grupos y eso se traduce en una riqueza mayúscula para «Forma Antiqva», con una lectura del repertorio barroco perfectamente interiorizada que conjugó a las mil maravillas con el talento de un Ares entregado al público ovetense al que regalaría hasta tres propinas excepcionales.

Jonathan Mallada

Ares y «Forma Antiqva» dan con la clave

La Nueva España | 26 de febrero de 2024

Brillante recital del clavecinista vigués y el ensemble asturiano dentro de las Jornadas de Piano para conquistar al Auditorio

Oviedo pasó ayer de la oscuridad y las tinieblas más inquietantes a una radiante luminosidad. Si, al comenzar la tarde, las nubes descargaban una lluvia muy necesaria para dejar paso a los claros, e incluso a un tímido cielo azul, cuando ya oscurecía, «Forma Antiqva» (bajo la dirección de Aarón Zapico) y Diego Ares transitaron el mismo recorrido en el plano musical, de la mano de un programa atractivo titulado «Sturm und drang... und Licht».

En efecto, la quinta entrega de las «Jornadas de Piano Luis G. Iberni», organizadas por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo, con la colaboración de LA NUEVA ESPAÑA, presentaba dos partes bien diferenciadas de gran interés conceptual. En la primera mitad, ese considerado precursor del Romanticismo artístico (Sturm und drang) sumió en cierta penumbra la sala sinfónica del Auditorio ovetense mediante la «Sinfonía en fa mayor» de Christoph Willibald Gluck, bien matizada en volumen e intensidad por la agrupación musical, y con la «Sinfonía en fa mayor» y el «Concierto para clave orquesta en fa menor » de Wilhelm Friedemann Bach. La primera de ellas aportó un gran dramatismo, acentuado por los abruptos silencios que la vertebran, mientras que la segunda, en la misma línea, evidenció el nivel interpretativo de Ares (en lo que era su puesta de largo en el auditorio ovetense) siempre con una pulsación pulcra y precisa. El gallego no escatimó en esfuerzos, regalando al término de la primera mitad, como propina, «un pequeño preludio».

La segunda parte daría paso a una luminosidad extraordinaria que disiparía cualquier tenebroso nubarrón. La «Sinfonía número 30 en do mayor» de Haydn cobró una gran solemnidad a manos de la agrupación dirigida por Zapico, siempre con una gestualidad intuitiva y sencilla de seguir que era correspondida por sus músicos, matizando cada una de las frases a través de la espléndida sonoridad que aportan las recreaciones historicistas del director langreano.

El «Concierto para clave y orquesta en re mayor» volvió a dejar un Ares pletórico. Sus cadenzas, inéditas hasta la fecha, y su dominio del clave convencieron a los melómanos ovetenses que despidieron al vigués entre numerosos aplausos. A modo de propina, ejecutó la «Sonata del movimiento continuo» del Padre Soler y, como deferencia a nuestra tierra, unas «Diferencias sobre la gaita», sellando dos horas de concierto.

Jonathan Mallada

Tormenta, ímpetu y luz

El Comercio | 26 de febrero de 2024

El clavecinista Diego Ares y Forma Antiqva protagonizaron un aplaudido concierto con obras de Gluck, Friedemann Bach y Haydn.

Si algo caracteriza a Forma Antiqva -el conjunto creado hace más de 20 años por los hermanos langreanos Aarón, Pablo y Daniel Zapico- es su constante actividad, con múltiples proyectos de recuperación y difusión del patrimonio musical barroco y clásico, que cristaliza en interesantes programas para los que la formación se adapta con versatilidad, contando siempre con instrumentistas de primera línea en la interpretación con criterios históricos como Jorge Jiménez -concertino en la velada de ayer-, Daniel Pinteño, Fumiko Morie, [Ruth] Verona o Ester Domingo, entre otros.

Comandados por Aarón Zapico, ayer ofrecieron junto al clavecinista gallego Diego Ares un programa centrado en compositores del período de transición entre el Barroco y el Clasicismo.

La primera parte del concierto -titulada ‘Sturm und drang’ en alusión al movimiento originado en Alemania en torno a 1770 que toma como fuente de inspiración el sentimiento- se abrió con Christoph Willibald Gluck, compositor bien reconocido por su extensa producción teatral y reivindicado anoche en su faceta de sinfonista por Forma Antiqva con su brillante interpretación de la ‘Sinfonía en fa mayor Wq.165.5’, rica en contrastes dinámicos, en la que las trompas naturales de Jairo Gimeno y Carlos González tuvieron destacadas intervenciones en los movimientos extremos.

Pausas y suspiros
El programa continuó con Wilhelm Friedemann Bach, el mayor de los hijos de Johann Sebastian. La versión de Forma Antiqva de su ‘Sinfonía en fa mayor, F. 67’ convenció desde su primer movimiento ‘Vivace’ plagado de pausas y suspiros que ayudaron a acrecentar el dramatismo, que encontraría la calma en el bellísimo ‘Andante’ en ‘pianissimo’. Mientras Forma Antiqva interpretaba el ‘Menuetto’ de la sinfonía, el clavecinista Diego Ares entraba en escena para unirse al conjunto -tomando el relevo del continuista Julio Caballero- para enlazar, sin solución de continuidad, con el impetuoso y cabalgante ‘Allegro di molto’ del ‘Concierto para clave y orquesta en fa menor’ de Friedemann Bach.

Tras la belleza melódica del melancólico ‘Andante’ el concierto concluyó con el brillante y explosivo ‘Prestissimo’ final en el que Ares exhibió su virtuosismo, a pesar del evidente desequilibrio en volumen -que el conjunto intentó paliar en todo momento tocando ‘piano’ sobre el clave- al que tampoco ayudan las grandes dimensiones de la sala. Ares regaló al público un pequeño preludio como bis.

Tras esta primera parte, la ‘Sinfonía n.º30 en do mayor’ de Franz Joseph Haydn aportó ‘la luz’ desde los primeros compases del vibrante ‘Allegro’ cuyo motivo se inspira en el tema del canto llano del ‘Aleluya’, sobretítulo por el que se conoce a la sinfonía entera. El traverso de Luis Martínez destacó en su intervención solista del segundo movimiento ‘Andante’.

Diego Ares regresó al escenario para interpretar el reconocido ‘Concierto para clave y orquesta en re mayor Hob. XVIII/11’ de Haydn. Desde el alegre tema del primer movimiento ‘Vivace’ a la calma del ‘Un poco Adagio’ para finalizar con un emocionante ‘Rondo all’Ungarese’, Ares mostró una gran precisión, destacando siempre los motivos melódicos, con una justa ornamentación en las variaciones, trinos infinitos y unas posibilidades técnicas que hicieron disfrutar de unas cadencias verdaderamente virtuosas. Ares respondió a los aplausos interpretando la sonata del ‘movimiento continuo’ del Padre Soler y las ‘Diferencias sobre la gaita’ recogidas por Martín y Coll, como homenaje al público asturiano.
Ares y Forma Antiqva ofrecieron luz tras la impetuosa tormenta, surcando un hermoso repertorio poco programado y transmitiendo al público el placer de hacer música juntos.

Antonio Hedrera

Diversidad dieciochesca

El Día de Córdoba | 9 de febrero de 2024

Aarón Zapico (1978), clavecinista y director asturiano de merecido y reconocido prestigio, fue el encargado de dirigir a la Orquesta de Córdoba en el sexto concierto de abono de la temporada en curso.

Lo hizo con un interesante programa en torno a músicas que animaron la España de la segunda mitad del siglo XVIII. Junto a autores que más o menos pueden sonar al aficionado medio, como Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826) o José de Nebra (1702-1768), Zapico nos deleitó con músicas bastante menos conocidas de Charles Avison (1709-1770), Vicente Basset (1719-1764), Niccolò Conforto (1718-1793), José Castel (1737-1807) y Cayetano Brunetti (1744-1798).

La dirección del asturiano, si bien menos punzante y rítmica que la que le he escuchado en otros trabajos, me pareció muy solvente y acertada con momentos especialmente logrados en los aires de danza.

Más brillante esta vez en su sección de viento (momento estupendo, entre muchos otros, el del característico Quintetto de Brunetti) que en la de cuerda, la Orquesta de Córdoba supo remontar algunos tropiezos leves de encaje (Nebra) y afinación (Avison) y logró hacernos disfrutar (Basset, Conforto, Brunetti…) de un repertorio que sin duda merece la pena conocer.

Hizo además un evidente y meritorio esfuerzo por adoptar de manera convincente articulaciones y golpes de arco característicos de los estilos interpretados. Excelente labor la del joven clavecinista sevillano Guido García Sánchez.

Farándula castiza

Facebook | 1 de febrero de 2024

12th VALLETTA BAROQUE FESTIVAL
THE SPANISH CONNECTION

CONCERT 1: 24 Jan. FARÁNDULA CASTIZA

JORGE JIMÉNEZ, violin
DANIEL PENTEÑO, violin
RUTH VERONA, violoncello
PABLO ZAPICO, Baroque guitar
DANIEL ZAPICO, theorbo
AARÓN ZAPICO, harpsichord and director

CHAMBER of COMMERCE CONCERT HALL VALLETTA
Let it be said from the start how very enjoyable these concerts were. The very zestful energy which was in the air, with abundant colour and rhythm were simply infectious.
Originally, Forma Antiqva was only scheduled to present one concert, on the evening of 24 January. Unfortunately days before, the French ensemble Les contres-sujets scheduled to perform on 25 January could not make it to Malta. Whatever the reason, the very worried Festival Artistic Director, Kenneth Zammit Tabona was extremely relieved and grateful to Forma Antiqua for stepping in with a second, completely different programme, which had a slightly different line-up.

Forma Antiqva is a Madrid-based ensemble with a very notably distinguished presence in Spain and abroad. It is also known for the research carried out and which has resulted bringing to life old Spanish music which was at the core of the first concert.
As the first line-up above shows, there is an uncommon fact which is having three brothers in the same ensemble. The director is the elder brother of twins Pablo and Daniel. Both twins are theorbists and Pablo comes to Malta whenever he is needed to perform with the Valletta Baroque Ensemble. In both concerts he performed on his other speciality: the Baroque guitar.

There are different meanings to "farándula" and "castiza". The nearest one could get to in Spanish music-related terms is that "farándula" refers to strolling musicians/street entertainers, precursors of the Mexican Mariáchis. "Castiza" is close to caste, not in a rigid social sense but referring to a particular ensemble.

The first concert had to have a beginning, ergo it opened with a very energetic Overture marked Allegro, to the opera Iphigenia en Tracia, by José de Nebra (1702-68). This was followed by an even livelier Fandango by Bernardo Álvarez Acero (1766-1821). It was great fun with most of the performers stamping hard on the platform. One could also observe the solid rapport between them and which never waned throughout both concerts.

Glancing at each other across the space, with "conspitatorial" smiles flying all over the place, it was so clear that they thoroughly enjoyed performing. They really projected this feeling to the audience, which relished every moment.

The concert continued with three section marked as "Jornadas" (days) and Finale.
The First Day began with another Allegro from Sinfonia n.3 by José Castel (1737-1807). By comparison there followed the very relaxing Andante alla francese (Sinfonia de La Nitteti) by Nicolás Conforto (1718-93). The latter in turn was in great contrast to the agitated Allegro assai which followed as the first of three movements from the Sinfonia a più stromenti (sic!) Bas-3, by Vicente Baset (1718-64). Calmer waters returned with the remaining Adagio and Minuete.

Day 2 consisted of four works, the first of which was by the only internationally known composer. This was Luigi Boccherini (1743-1805), famous cellist and composer who lived in Spain for 44 years before he died there in poverty. Not surprisingly, some of his music has a Spanish flavour. His Tempo di menuetto Op. VI was performed by the violins, cello and harpsichord. Cello and theorbo performed the Sinfonia de Angelica e Medoro
(Andante). Then it was back to Conforto and more stamping of feet in his Fandango. Vicente Baset reappeared to close the day with his Apertura a più stromenti, Bas-7 with Andante assai, Andante moderato and very fast Presto.

Day 3 also featured four works the first of which was Cumbees, by Santiago de Murcia (1673-1739). After this type of song, Conforto returned with Sinfonia de Siroe, Con ira, in an Andante alla francese and brilliant Allegro.

Another new name was Francisco Corselli (1705-78). He was the only other Italian composer on the list. He lived in Madrid from 1734 until his death. Obertura de la Cautela de La Amistad was a beautiful andante performed by the Zapico brothers.

The day concluded with José de Nebra's Minué y Allegro from Iphigenia en Tracia.

Finale. This opened with Castel's graceful Minuetto from Sinfonia n.3. The definite end was with all the Ensemble performing Vicente Baset's Apertura a più stromenti Bas-5. There was verve and energy in this final piece.

Final? (In)famous last word because the very insistent audience wanted more, and was rewarded with an encore.

Albert George Storace

Cafe Telemann

Facebook | 1 de febrero de 2024

12th VALLETTA BAROQUE FESTIVAL
THE SPANISH CONNECTION

CONCERT 2: 25 Jan. CAFÈ TELEMANN
TAMAR LALO, flute
DANIEL PINTEÑO, violin
RUTH VERONA, violoncello
PABLO ZAPICO, Baroque guitar
AARÒN ZAPICO, harpsichord and director

CHAMBER of COMMERCE CONCERT HALL VALLETTA
This was a delightful offering of music by Georg Philipp Telemann (1681-1767). He is one of the giants of German Baroque and VERY prolific composer. After his death he was reduced to near oblivion. It seemed that his huge opus was held against him. Fortunately for most of us, his music has made a come-back.

Among his many works there are dozens of sonatas and trio sonatas which Forma Antiqua providentially had up their sleeve, enabling them to step it the gap left by the cancellation of the scheduled concert by Les contres-sujets.

As in concert n.1, there was the same brilliance of delivery, mutual rapport and positive audience reaction.

This selection of a number of Trio sonatas and Sonatas were from works composed between c.1725-35. Telemann more than 3,000 works makes it difficult to track them down via chronology because rather than that, they are listed according genre. Whether officially meant to be called Tafelmusik (Table music or even Café music like Bach's) it is known that his music was performed in coffee houses. This is more evident when one reads the names given of some sets of Sonatas and Trio Sonatas.

The works performed sometimes involved all five musicians, sometimes less. The first was the Trio sonata TWV 42: a1 beginning with a jolly Allegro, then Largo, Vivace, Affettuoso and Allegro. The second and third works were likewise untitled. The former was from Trio sonata TWV 42: a4 and the latter from Trio Sonata TWV 41: C5.

The rest of the selection had titles to whet the appetite of the sweet toothed and provoking weight watchers. From Macarón, the cafè served the Trio sonata TWV 42: a4 with a Grave, Vivace and Minuet for flute and violin.

Next dessert, Petit-beurres came served with the Affettuoso and Presto from the Sonata TWV 41:04. The former lived up to its name judging by the tenderly soft glances flying in the air. In the latter one I do not know who was chasing whom!

The next to tempt the taste buds was the Brioche which could be plain and humble or with a lavish filling. This time the Larghetto from Sonata TWV 41: C5 was without flute and harpsichord. The brioches disappeared after the Allegro from Trio Sonata TWV 42:10.

The tantalising desserts came to an end with Mille feuilles. It was a selection of five movements. First with a long guitar intro, tempo Grave from Sonata TWV 41:a4. An Adagio was lifted from Trio Sonata TWV 42:10. For an Allegro the choice fell upon the same work which provided the initial Grave while a second Allegro was from the same work as the Adagio as was the final rousing Presto ending the concert to much warm acclaim. This of course HAD to produce an encore.

Albert George Storace

La Caramba, disco Recomendado Revista Ritmo

Ritmo | 30 de enero de 2024

La Caramba (Motril, 1751 - Madrid, 1787), mujer independiente y revolucionaria, fue una de las figuras artísticas más relevantes del siglo XVIII dentro de la música escénica. Como actriz, bailarina y cantante brilló con gracia y sicalipsis teatral a la par que el género estrella de este recopilatorio: la tonadilla.

“Que la Caramba cuando va andando canela en rama va derramando”, cantaba Concha Piquer en la copla que le dedicaba a María Antonia Vallejo Fernández, La Caramba. De igual modo, Forma Antiqva, María Hinojosa y Aarón Zapico derrochan vitalidad, frescura y precisión en un repertorio tan rico como delicado.

A pesar de su dinamismo interno, la tonadilla, género dieciochesco, estrófico y de carácter popular, puede incurrir en una pesadez reiterativa propia de usar la misma música con diferente texto. Hándicap que requiere una interpretación cuidada, caleidoscópica, vivaz y expresiva. En este sentido, Forma Antiqva, Zapico e Hinojosa permiten al oyente adentrarse en un marco musical lleno de belleza interpretativa; aunque, en ocasiones, la dicción y la velocidad del ritmo silábico dificultan la inteligibilidad del relato.

Si al trabajo tímbrico e instrumental, donde el jaleo previo al fandango y la percusión resultan refrescantes, y al parlato de Hinojosa que se imbrica delicadamente con la parte cantada, le sumamos las piezas instrumentales entreveradas con las tonadillas, obtenemos un trabajo sonoro in crescendo que lejos de resultar repetitivo, atrapa. “Usted quiere caramba” (anónimo).

María Alonso

Malta, XII° Valletta Baroque Festival: “Farándula Castiza“

gbopera | 28 de enero de 2024

L’offerta strumentale del Valletta Baroque Festival si articola principalmente in due direzioni: ripresa dei classici e riscoperta di autori e tradizioni musicali più rare. Proprio a questo secondo filone pertengono i due spettacoli strumentali cui assistiamo, a cominciare dalla “Farándula Castiza“ di Forma Antiqva, formazione barocca spagnola affacciatasi ormai da circa un ventennio sulla scena internazionale. Il concerto si apre con pezzi che il gruppo ha già affrontato in studio nell’ultimo album “La caramba” (su etichetta Winter & Winter): si tratta di quelle composizioni che non prevedono l’intervento vocale del soprano Maria Hinojosa – che nell’album punta a far rivivere proprio “La Caramba” Maria Antonia Vallejo, la più celebre delle dive del melodramma alla corte spagnola; a questi si aggiungono anche alcune composizioni di Vicente Baset presenti nell’album eponimo pubblicato nel 2020 per la stessa etichetta; tuttavia, sono i brani che affrontano per la prima volta quelli più interessanti, tratti dal repertorio di Francisco Corselli Nicolás Conforto, al secolo “Francesco” e “Nicola”, italianissimi che si avvicendarono quali maestri di cappella della corte madrilena del secondo XVIII secolo, e lasciarono un ampio e variegato repertorio operistico e da camera. Per spezzare la naturale continuità stilistica che intercorre da José de Nebra, predecessore di Corselli, fino a Conforto, si inseriscono pezzi da ballo di natura anche smaccatamente popolare, giacché la nuova corte borbonica dell’epoca godeva proprio della commistione dei generi, dell’alto del basso, quasi volendo procrastinare l’inevitabile virata al classicismo che quegli anni stavano imponendo: ecco allora il Fandangodi Bernardo Álvarez Acero, imperfetto e spumeggiante come ci aspetteremmo fosse eseguito all’epoca, il Tempo di MinuettoOp. VI di Luigi Boccherini, distantissimo dal modello originale (che proprio Boccherini piegò e rinverdì molte volte) e godibilmente destrutturato, le Cumbéesdi Santiago de Murcia, dall’andamento più decisamente folke intrise di sapore bambocciante secentesco. Il grande equilibrio della struttura del concerto restituisce anche l’intesa pressoché perfetta che corre tra i membri della formazione: i tre fratelli Zapico, Pablo (chitarra barocca), Daniel (tiorba) e Aarón (clavicembalista e direttore dell’ensemble), assieme ai due violini di Jorge Jimenez e Daniel Pinteño e al violoncello di Ruth Verona, suonano con grande brio e trasporto, caratteri che forse non ci si aspetterebbe dall’esecuzione barocca, ma che questo repertorio invece richiede; guardarli significa penetrare silenziosamente anche un’armonia di sguardi, sorrisi, piccoli ammiccamenti, che comunicano sì la familiarità, ma anche il reciproco profondo rispetto e senso dell’ascolto – specie durante i frequenti assoli della chitarra. Questo il merito maggiore di questa “Farándula castiza”: non solo il coraggio di riproporre un repertorio quasi caduto nell’oblio; non solo l’intelligenza di scegliere un repertorio barocco “spiazzante”, ossia lontano sia dalle geometrie bachiano-vivaldiane sia dagli abbandoni larmoyantdi scuola napoletana, espressione del Settecento più giocondo e pittoresco; ma, soprattutto, un’interpretazione che segue questa linea franca e gioiosa, probabilmente non prossima alla perfezione esecutiva (ogni tanto qualche quarto di tono “scappa”, qualche variazione o abbellimento salta) ma del tutto aderente allo zeitgeistche ha visto fiorire e furoreggiare questo genere nella Spagna post-asburgica. Un’esperienza difficilmente ripetibile.

William Giuseppe Costabile Cisco
Foto Elisa Von Brockdorff

La Caramba, Melómano de Oro

Melómano | 19 de enero de 2024

Este álbum está dedicado a la famosa tonadillera María Antonia Vallejo Fernández (Motril, 1751-Madrid, 1787), apodada ‘La Caramba’, palabra que aparece con frecuencia en sus tonadillas y también el nombre de un tocado que solía llevar, marcando moda entre las mujeres de clase más aristocrática. Desarrolló una fulgurante y corta carrera entre 1776 y 1785. Sus actuaciones en los escenarios madrileños marcaron época por su calidad como cantante y su actitud siempre provocadora, desafiando las estrictas normas de la censura. Esta mujer debió tenor un arrebato místico, abandonando su carrera con apenas 34 años para dedicarse a la oración y la penitencia hasta su temprana muerte en 1787. Cultivó con singular fortuna la tonadilla, una canción estrófica de temática popular en la que conviven ritmos melódicos derivados del folclore, y cuya estructura es la siguiente: una breve sección instrumental, seguida de una intermedia dedicada a las coplas y una parte final dedicada a las seguidillas. La realización de esta grabación se debe al gran interés mostrado por el director y clavecinista Aarón Zapico al frente de su magnífico conjunto barroco Forma Antiqva, en perfecta conjunción con la soprano catalana María Hinojosa, cantante de muy atractiva vocalidad, con gran dominio de la agilidades cuando canta a ritmo vertiginoso, junto a su capacidad para adornar las notas. La cantante derrocha gracejo, musicalidad y un alto grado de expresividad en cada una de sus interpretaciones, incluso en las breves frases declamadas. La grabación contiene cuatro tonadillas: La Caramba, de autor anónimo, Los duendecillos de Pablo Esteve, El arrendador del sebo de José Castel y Los mormuradores de Pablo Esteve, complementadas por páginas orquestales excelentemente interpretadas, como el Allegro de la Sinfonía núm. 3 de José Castel; el Allegro de la Obertura Iphigenia en Tracia de José de Nebra; y, sobre todo, la magnífica interpretación de Fandango de Bernardo Álvarez Acero, donde predominan el atractivo sonido de las castañuelas y de la guitarra barroca.

Diego Manuel García